- En colaboración con la Cinecittà Luce y el Instituto Italiano de Cultura se ha organizado la Retrospectiva Michelangelo Antonioni, que se realizará del 6 al 30 de diciembre
- 15 filmes y 18 cortometrajes integran la programación, la mayor parte a presentarse en formato de 35 mm
- El ciclo se complementa con una exposición de 18 fotografías a color acompañadas de un video, a exhibirse durante todo diciembre
Embarcada en un viaje existencial desde sus inicios en los años cincuenta, la cinematografía de Michelangelo Antonioni retrató a la angustia, la soledad y la incomunicación, elevando el acto creativo a una propuesta transgresora que en momentos tendía a lo abstracto, exponía el vacío espiritual, exploraba las relaciones maltrechas y las fricciones entre el deseo y la muerte.
Con la finalidad de adentrar al público en la obra de unos de los grandes maestros del cine mundial, la Cineteca Nacional y la Cinecittà Luce ofrecen la Retrospectiva Michelangelo Antonioni, que comprende 15 largometrajes y 18 cortometrajes, la mayoría de ellos a presentarse en formato de 35 mm. El ciclo tendrá lugar en la sala 9 Juan Bustillo Oro del 6 al 30 de diciembre.
La retrospectiva abre con el primer largometraje del cineasta originario de Ferrara, Crónica de un amor(Cronaca di un amore, 1950). Desde su entonces, Antonioni trazó un nuevo horizonte en la historia del cine italiano. En este filme los celos detonan la trama en la que un empresario investiga a su esposa con la ayuda de un detective; pronto descubre que ella oculta algo más grave que un amorío de juventud.
Después del éxito de su ópera prima, Antonioni se encamina en una narrativa poco convencional impulsada por audaces saltos temporales en La dama sin camelias (La signora senza camelie, 1953), donde cuenta la historia de una vendedora, quien atraída por el emocionante mundo del cine interpreta papeles secundarios.
Un año después, el director muestra un ejemplo de su evolución autoral con Los vencidos (I vinti, 1953), en la que se despliegan tres historias de asesinatos perpetrados por jóvenes en París, Italia e Inglaterra. Adelantándose a la Nueva ola francesa, exhibe el hastío de la juventud en un retrato de la psique humana. Censurada en los países que evoca por la fuerte crítica, el autor se vio obligado a incluir en la cinta una justificación a modo de prólogo.
Situada en Italia de los años 50, La amigas (Le amiche, 1955) narra la amistad entre Clelia, una joven que busca abrir un negocio de moda en su pueblo natal y Rosetta, su vecina de hotel, quien siendo joven y adinerada intenta suicidarse. A través de la fotografía contemplativa, Antonioni orquesta un análisis sobre las relaciones entre hombres y mujeres y sus efectos en un ambiente burgués. Gracias a este filme, el director ganó el León de Oro en el Festival de Cine de Venecia de 1955.
La soledad y el tormento del alma se agitan en El grito (Il grido, 1957), película en la que un rudo mecánico deja todo para iniciar un viaje sin retorno cuando su pareja lo abandona. El protagonista se reencuentra con mujeres que intentan resarcir sus heridas amorosas. Con los paisajes nublados, Antonioni hace un reflejo de la alienación del protagonista.
La retrospectiva continúa con la primera pieza de una famosa triada que algunos especialistas han definido como la trilogía de la incomunicación. La aventura (L’avventura, 1960) causó revuelo en el Festival de Cannes de 1960 al ganar el Premio del Jurado. Aquí una joven desaparece de un crucero; la búsqueda entre su novio y su mejor amiga crea entre ellos una poderosa atracción. La cinta colocó al director a la vanguardia del cine europeo, al jugar con las reglas de un thriller con reminiscencias de Hitchcock para generar un intenso retrato del desencanto.
La trilogía continúa con La noche (La notte, 1961), en la que Marcello Mastroianni hace de un famoso novelista quien junto con su esposa confronta como nunca el doloroso distanciamiento que existe entre ambos. Todo transcurre en un día y es protagonizada por dos seres indiferentes a sus propias vidas, pertenecientes a una alta burguesía regida por absurdos juegos de apariencias y poder. La película resultó reconocida con el Oso de Oro en Berlín.
Ganadora del Premio Especial del Jurado en Cannes 1962, El eclipse (L’eclisse, 1962) presenta a Monica Vitti como una traductora quien rompe su relación con un escritor para entregarse a un amorío con un corredor de bolsa. La imposibilidad de comunicación, la mayor obsesión de Antonioni en esta época, alcanza una notable representación cinematográfica. Como en los dos filmes anteriores, los espacios arquitectónicos y las atmósferas son el marco ideal para una historia de amor condenada al fracaso.
Viene después El desierto rojo (Deserto rosso, 1964), ganadora del León de Oro en Venecia 1964. Aquí, la esposa del administrador de una planta de energía eléctrica en Ravenna lucha por ocultarle a su marido su intensa necesidad de afecto y mientras recorre las instalaciones está tentada a iniciar un amorío con otro hombre. Apoyado en la belleza de Monica Vitti, Antonioni desarrolla una historia acerca de la pérdida de humanidad que implica la tecnología.
Por su parte Blow Up (1966), el primer filme en inglés de Antonioni, toma como pretexto un relato de Julio Cortázar para orquestar una reflexión sobre la naturaleza de la realidad reinterpretada por la imagen, la liberación sexual y las vanguardias artísticas europeas como el Free Cinema inglés. El protagonista, un presumido fotógrafo inglés, descubre en una de sus imágenes lo que podría ser un asesinato cometido en un parque público de Londres, sumergiéndose en una intriga de insólitas consecuencias
El año de su estreno, con Zabriskie Point (1970), Antonioni fue reconocido con el Golden Globe como Mejor Director. El filme cuenta cómo tras un enfrentamiento entre estudiantes y policías en un campus universitario, un joven roba una avioneta, misma que vuela hasta Arizona donde se reúne con otros inconformes. La única filmación de Antonioni en Estados Unidos expone la rebelión juvenil de los años sesenta, acompañada por una banda sonora en la cual participaron agrupaciones como Pink Floyd.
Basado en la clase trabajadora de China, Michelangelo presenta en Chungkuo Cina (1972) tres zonas de la nación del sol naciente: una fábrica de algodón en Pekín, una granja colectiva de la ciudad de Suzhou y una industria en Shanghai. Mediante un ejercicio más etnográfico que interpretativo, el cineasta investiga la manera en que la historia socialista de China influye en la actual vida de sus habitantes, borrando la falsa imagen que prevalecía en Europa sobre ese país asiático.
El pasajero (Professione: Reporter, 1975) pone en pantalla a un periodista estadounidense que realiza un documental sobre las sociedades africanas. Para conseguir más información asume la identidad de un empresario fallecido, ignorando que éste era un traficante de armas relacionado con la guerra civil en Chad. Siguiendo con la búsqueda de sitios inhabituales, Antonioni llegó a comentar: "Mientras rodaba, cada vez que sentía que me movía en un terreno ya conocido, procuraba cambiar de camino" (L’Europeo).
Antonioni llega a la década de los 80 con El misterio de Oberwald (Il mistero di Oberwald, 1980) en la que plasma la historia de un joven que se interna en un castillo con la intención de asesinar a la reina; sin embargo, todo se trastorna cuando ella al verlo, le encuentra un enorme parecido a su amado marido recién fallecido. Con fuerte apego al relato original de Jean Cocteau, este drama situado en 1903 no pierde vigencia gracias al notable uso de las técnicas cinematográficas.
Para Identificación de una mujer (Identificazione di una donna, 1982) que lo hizo merecedor del premio del 35 Aniversario del Festival de Cannes, Antonioni tomó la batuta de la edición con resultados sorprendentes. A través de un trabajo de continuidad presenta la historia de Niccolò, un cineasta abandonado por su mujer que quiere realizar una película sobre las mujeres, obligando al espectador a atender los huecos puestos a propósito en la trama.
Un derrame cerebral marcó la vida de Antonioni en los años ochenta. Sin embargo, su vitalidad le permitió regresar a la realización con Más allá de las nubes (Al di là delle nuvole, 1995), dirigida junto con Wim Wenders. Se trata de cuatro historias de amor en diferentes ciudades de Francia e Italia y aunque el ritmo es algo irregular, es un excelente ejercicio de dos grandes directores que logran la sublimación de sus estilos. El filme ganó el premio FIPRESCI en la Muestra de Venecia de 1995.
La Retrospectiva Michelangelo Antonioni se complementa con una serie de cortometrajes que incluye los siguientes títulos: Gente del Po (1943), Netezza Urbana (1948), Superstizione (1948) L’amorosa menzogna (1949) Sette canne, un vestito (1949) Vertigine (1950) La villa dei mostri (1950), Tentato suicidio (1953), Ritorno a Lisca Bianca (1983) Fotoromanza (1984) India, Kumbha Mela (1989) Roma 90(1990) Noto, mandorli, vulcano, Stromboli, carnevale (1993) Sicilia (1997) , L’ultima sequenza di Professione Reporter (1985) Fare in film per me é vivere (1995) Antonioni visto da Antonioni (1978) yMichelangelo Antonioni: Lo sguardo che ha cambiato il cinema (2001).
El lobby de la Sala 3 Fernando de Fuentes albergará durante diciembre una muestra fotográfica compuesta de 20 imágenes a color, además de un video con escenas de películas representativas del cine del autor fallecido en 2007. Es así que la Cineteca Nacional rinde tributo al inmenso legado fílmico de un artista modélico, cuya figura al paso de los años aún proyecta una amplia sombra.
Retrospectiva Michelangelo Antonioni
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